Jethro Tull es el nombre de una original banda de rock progresivo británica, cuyo líder Ian Anderson es de origen escocés, que comenzó a finales de 1967 y que ha trabajado de forma ininterrumpida, siendo uno de los grupos de rock más antiguos en actividad.

Desde sus inicios, este grupo ha vendido más de 80 millones de copias de sus más de 30 álbumes, siendo uno de los grupos con mayores ventas de la historia del rock.

Siempre ha sido liderado por el flautista escocés Ian Anderson, que es el autor de prácticamente todas las canciones del grupo, y de hecho el grupo se comporta como el apoyo de este músico, dado que es el único que ha estado en toda la historia de la banda, desde el primer disco, y solo el guitarrista Martin Lancelot Barre se le acerca, estando desde el segundo disco.

La banda logró mucha popularidad en la primera mitad de los años setenta con álbumes emblemáticos en la historia del rock como Thick as a Brick y Aqualung, y con el tiempo llegó a convertirse en un grupo de culto. Jethro fue la primera banda en recibir un premio en los años 70 por vender más entradas en el Madison Square Garden (Nueva York) que ningún otro grupo, generalmente teniendo que añadir un cuarto show en sus visitas dada la altísima demanda.

Su música, encuadrada en el rock progresivo, constituye una mezcla muy original de blues, folk inglés y hard rock, con pinceladas de música barroca, música medieval inglesa e incluso renacentista. El grupo desarrolla además una vertiente dedicada a originales canciones acústicas de difícil clasificación. En su sonido, destaca de forma particular la flauta de Ian Anderson, tocada de una forma magistral, que ha sido y sigue constituyendo una de las inconfundibles características de la banda, así como el sonido desgarrado de la guitarra eléctrica de Martin Barre, finamente entrelazado con el de la flauta de Anderson.

Durante algunos años, el grupo incluyó dos teclistas conjuntamente, con lo que obtuvo un sonido de particular colorido: John Evan y David Palmer. Este último realizaba además los arreglos orquestales. La formación también ha utilizado una gran variedad de instrumentos, barrocamente combinados, en su mayoría tocados por el propio Ian Anderson, como el laúd, la mandolina, la balalaica, el saxofón, la armónica, la gaita, el acordeón y diversas clases de flautas. Salvo contadas excepciones, todos los temas interpretados por el grupo han sido compuestos por Ian Anderson, auténtico líder y factótum del grupo. Anderson es un personaje camaleónico, tanto en su aspecto como en su capacidad para reinventar continuamente su propia música, lo cual ha permitido a Jethro Tull mantenerse joven a pesar de los años.

27 años después de su último concierto demostraron que su talento continuaba intacto y la llama de la química entre ellos viva como el día de su primer ensayo en 1968. Con una soberbia actuación única de reunión con motivo del homenaje a su querido Ahmet Ertegun, en aquella noche del 10 de diciembre de 2007 Robert Plant (voz), Jimmy Page (guitarra) y John Paul Jones (bajo y teclados), arropados a la batería por Jason Bonham (hijo del lloradísimo John "Bonzo", batería original de LED ZEPPELIN), dejaron claro sobre el escenario del O2 de Londres que se pasaban por el forro la medianía de tantos miles de bandas de entre 18 y 35 años surgidas en el nuevo milenio, y que pululan por el planeta diciendo que hacen Rock duro. Y este documento, que no podría ser más impecable, es el mejor testamento que la veteranísima banda podía dejar de la que tal vez haya sido la más brillante y digna reunión jamás vista en la historia el Rock.

Y es que, incluso simplemente a través del mismo DVD incluido en este pack (no digamos ya en el mismo O2 ARENA en diciembre de 2007), escuchar el sonido de la intro mezclado con el del público con la expectación y la emoción apenas contenida, mientras el grupo se hace una última fotografía antes de tomar posiciones, y finalmente ver a Merrrs. Plant, Page, Jones y Bonham Jr. irrumpir en escena al contagioso ritmo de "Good Times Bad Times" es una de las experiencias más impactantes y especiales para un amante/connoisseur del género. Por lo trascendental del acontecimiento, por la llegada de algo tan esperado durante más de un cuarto de siglo, y sobre todo por la felicidad que produce comprobar el magnífico estado de forma artística en el que se siguen encontrando estos legendarios rockeros que, además, conservan plenamente la complicidad y el entendimiento musical (y seguramente personal) entre ellos.

Versiones tan impecables de clásicos tan definitivos como "Black Dog", "Ramble On", "Nobody`s Fault But Mine" o "In My Time Of Dying", entre muchas otras, no dejan lugar a la menor duda: LED ZEPPELIN están de vuelta, aunque sea por una sola noche. Podrían estarlo para mucho más, si quisieran. Pero no quieren (al menos no todos ellos). Prefieren dejarlo ahí, de nuevo en lo más alto más de cuarto de siglo después. No está nada mal semejante lección de dignidad...

Volviendo a lo puramente musical, aunque realmente el nivel es encomiablemente uniforme a lo largo y ancho de las dos generosas horas de concierto, resultan particularmente emocionantes algunos pasajes. Por ejemplo la estupenda "Fool In The Rain", una pieza del álbum Presence (1976) que el grupo nunca había interpretado en directo, naturalmente las inevitables "Kashmir" y "Stairway To Heaven", y por descontado las obligatorias "Whole Lotta Love" y "Rock & Roll", ya en los bises.

Es un decir. Realmente todas y cada una de las versiones aquí contenidas brillan con luz propia. Suenan rutilantes, potentes, maduras, extremadamente sólidas... ahí están también las magistrales "Misty Mountain Hop" y "The Song Remains The Same", el inolvidable blues de "Since I`ve Been Loving You", o la impoluta "No Quarter", o la tremenda energía que destila "Trampled Underfoot"... Todo, absolutamente todo sonó y quedó de matrícula de honor en la noche londinense tan felizmente inmortalizada en este documento bautizado como Celebration Day, en una referencia del grupo a un corte de su tercer álbum que, en cambio, no sonó esa noche.

Este doble CD y doble DVD (cuenta con un disco extra con imágenes de algunos de los ensayos de días previos al concierto) es ya un documento absolutamente imprescindible para cualquier amante del Hard Rock de la más fina factura, y de una de las bandas no solo más espectaculares y memorables en escena, sino (y este documento así lo demuestra) más atemporales.

Desde hace ya tiempo parece casi totalmente seguro que el grupo no se reunirá ya jamás para una gira completa. Los constantes rumores a ese respecto se desvanecen, pues. No obstante, ya siempre nos quedará de que, efectivamente, la magia existe. La mejor prueba de ello estuvo en aquella noche del 10 de diciembre de 2007, cuando tres de los cuatro caballeros originales de LED ZEPPELIN, con el hijo del siempre recordadísimo y forzosamente ausente batería original se subieron juntos veintisiete años después a un escenario, a la sazón el del O2 ARENA de Londres, para ofrecer un único concierto. Esa prueba fue felizmente grabada y filmada con milimétrica precisión, y hoy está aquí, y se llama Celebration Day. Así pues, con más fuerza que nunca, viva LED ZEPPELIN, viva el directo, viva la música y, para ser más exactos, ¡viva el puto Rock & Roll!

En la primavera de 1970, Howe, luego de audicionar para The Nice y Jethro Tull, decide unirse a Yes haciendo su primer show con el grupo en el Queen Elizabeth Hall el 21 de marzo de 1970. Como una curiosidad Howe fue fotografiado con el grupo para la carátula de la edición no-Europea del segundo álbum de Yes, Time And Word que se lanzó en agosto aunque era en realidad Banks quien había tocado en la grabación.

Su debut en el estudio no seria sino hasta el año siguiente en 1971 con The Yes Album, en donde al sonido ya característico de Yes de los primeros dos álbumes, se le agregaba una sólida y a la vez dinámica caracterización melódica, entregada mayormente por el amplio set de guitarras fenders, gibsons, mandolinas, guitarras acústicas, paseando fluídamente entre la psicodelia, el blues, el country, y hasta el barroco europeo, llegando hasta donde ninguna banda de rock había llegado hasta ese momento. Llegando a constituir de este modo el sonido progresivo característico de Yes. Célebre fue su solo para el tema Starship Trooper calificado por la revista Bilboard como uno de los mejores solos de guitarra eléctrica de la historia. La introducción de una dinámica y humoresca pieza de guitarra acústica llamada simplemente The Clap, para celebrar el acontecimiento del nacimiento de su primer hijo: Dylan, nos hace retroceder a los comienzos de la música popular a la era dorada del Rag Time.

La suma de Rick Wakeman después de la salida de Tony Kaye para el álbum siguiente, Fragile, creó el clásico sonido de Yes con Anderson-Howe-Squire-Wakeman asociado con el apogeo de los logros tempranos de la banda. A su surtido ya-formidable de guitarra eléctrica y acústica, Howe agregó un único acercamiento del rock progresivo para pedal steel en el próximo álbum, Close To The Edge, en donde la complejidad instrumental se fusionó con temas de contenido onirico y místico que continuará en los siguientes dos álbumes como Tales from Thopographic Oceans y Relayer los cuales tienen también el sello característico de Howe. Sus influencias clásicas y del jazz, junto con su tendencia a la experimentación continua, ayudó producir un estilo único entre músicos de rock, mientras que grupo tomó una posición en conjunto como una de la bandas más importantes del rock progresivo. Aunque la banda sufrió algunos cambios en los años setenta, Howe, Anderson, y Squire fueron los elementos constantes durante toda la década.

En octubre de 1975, luego luego de la gira de Relayer, la banda toma un receso, lo que Howe aprovecha lanzando Beginnings, su primer álbum solista. En él participan miembros de Yes como Alan White, Bill Bruford y Patrick Moraz y fue el número 63 en ventas en el EE.UU. y número 22 en los charts del REINO UNIDO.

Luego de dos álbumes más junto Yes, incluyendo a Rick Wakeman: Going for the One (1977) y Tormato (1978), Howe alcanzaría el mayor apogeo de su carrera.

Luego de terminada la gira por Europa, Howe se concetra en la producción de su segundo trabajo, The Steve Howe Album, que se lanzó en noviembre de 1979. Esta vez Howe incluyó además de sus característicos temas instrumentales, y la participación de sus compañeros en Yes, a la hermosa voz de la cantante Claire Hamill.

A principios de 1980, sin embargo, Anderson y Wakeman son marginados del grupo debido a su creciente interés por el sonido de la New Age y fueron reemplazados unas semanas después por los Buggles Trevor Horn y Geoff Downes, desencadenando el rechazo de los fans y la disolución de Yes el 18 de abril de 1981, a dos meses de finalizada la gira de promoción del álbum Drama.

Durante los próximos años, Howe contribuyó en varios álbumes producidos por Horn para otros artistas (incluso Frankie Goes a Hollywood y Propaganda). Además de una destacada participación en Asia entre 1982 y 1983 y en GTR junto al guitarrista Steve Hackett entre 1985 y 1987.

Luego de la disolución de Yes y Emerson Lake and Palmer y UK en 1982, Howe, se une a Geoff Downes, Carl Palmer y a John Wetton, en una nueva banda llamada Asia pero después de dos álbumes de éxito masivos y algunos hits como Heat of the Moment, Only Time Tell, o Don't Cry, Howe deja la banda a causa de las diferencias con Wetton en 1983.

Luego de Asia, Steve Howe junto con el ex-Génesis, el guitarrista Steve Hackett en 1986 forma GTR. Su único álbum, GTR, fue disco de oro, con el single When the Heart Rules the Mind, pero el interés de Hackett por seguir con su carrera solista llevo y la salida del vocalista Max Beacon, Howe descubre en los ensayos a un nuevo vocalista y guitarrista llamado Robert Berry con quien intentará producir un nuevo álbum, sin embargo, Howe finalmente decide disolver la banda, y recomienda a Robert Berry unirse a Keith Emerson y Carl Palmer en Three con quienes llega a tener cierto éxito con el single "Talking about you" en cual ya había sido producido anteriormente con Howe.
 

En 1989, Jon Anderson, desilusionado con el nuevo Yes, se reúne con sus viejos compañeros Howe, Rick Wakeman, y Bill Bruford (ABWH) para ofrecerles grabar algunas canciones juntos. Es así como lanzaron un álbum y completaron una gira bajo el nombre Anderson Bruford Wakeman Howe, llevando a conflictos legales sobre de la propiedad del nombre de Yes. Al año siguiente se reunieron para la grabación de un segundo álbum en Francia, el cual nunca llegó a terminarse, conocido como Dialogue o, simplemente, ABWH-2. Algunas demos realizadas por Howe para este álbum aparecerían más adelante en Homebrew y Homebrew 2.

En 1991, a petición de Jon Anderson, acepta incluir los temas a medio desarrollar en un estudio de grabación de New York con ABWH y participar en una gira de promoción para un álbum de Yes llamado Unión, compartiendo escenario con Trevor Rabin, Tony Kaye, Chris Squire y Alan White. Cual sería su sorpresa al oír la edición final del álbum y encontrar sobre sus huellas la intrusión de post-producción de otros guitarristas a pedido del productor Jonathan Elias, con quien Jon Anderson había trabajado un par de años atrás.

En respuesta a su desencanto con Union, Howe decide tomar su trabajo para este álbum y, con la colaboración del baterista Bill Bruford, decide volverlos a producir en su estudio en Devon (Inglaterra), esta vez como un set de temas acústicos junto a otros temas ya ensayados con GTR en un álbum llamado Turbulence, el cual es lanzado a finales de 1991. Este álbum seria el primero después de 12 años del lanzamiento de su último álbum como solista, retomando de esta manera su carrera en solitario.

Además, mismo año, él contribuyó con un el solo de flamenco en el tema Innuendo del álbum del mismo nombre de Queen, el último antes de la muerte de Freddie Mercury.

Al año siguiente colaboraría en cuatro temas con su ex-compañero y buen amigo Geoffrey Downes, en su nueva reencarnación de Asia, esta vez junto al joven vocalista John Payne, en un álbum titulado Aqua, en donde también colaboraría Carl Palmer. Participó también en la gira de promoción de dicho álbum.

A partir de Turbulencce en 1991, Howe ha publicado una grabación casi cada año, yendo de lo acústico a lo progresivo, y a un particular tributo a Bob Dylan. Su hijo Dylan, ahora un respetado músico del jazz, tocó la batería en su descargo instrumental solista de 1998, Quantum Guitar. Elements, realizado en el 2003, incluye también a su hijo menor Virgil (en los teclados y coros), como parte de un proyecto llamado Remedy.

Brevemente en 1993, Howe trabajó en las partes de la guitarra para un Symphonic Yes un álbum de versiones de clásicos, y entonces dejó la banda después de que el sello Victory lo omitió de una invitación para participar en las sesiones del estudio que llevarían a su próximo álbum Talk con Trevor Rabin.

Luego del fracaso de Talk, Howe finalmente se reunió con Yes en 1996, para resucitar la alineación más clásica de esta banda junto a Anderson, Squire, Wakeman y White, realizando una serie de conciertos en San Luis Obispo que fueron editados en Keys to Ascension. Desde entonces, Howe ha aparecido de nuevo en todos los álbumes grabados por Yes.

El sitio web personal de Howe, Guitar Rondo, se lanzó en mayo de 1996. El guitarrista toma un papel activo en el sitio dirigiendo las subastas para los álbumes de oros y las guitarras de colección, y contestando las preguntas de los fans.

El 24 de mayo de 1996, Howe recibió un Honoris Causa en música en la Five Towns College en Dix Hills, Nueva York.
Los 2000

En cuanto a Asia, después de 25 años, algunas de las discordancias que llevaron a Howe a una ruptura con John Wetton se han disipado y Howe se ha reunido con los otros tres miembros fundadores en una gira mundial para conmemorar los 25 años de su primer éxito a finales del 2006, reinterpretando los éxitos de sus primeros dos discos y preparando el lanzamiento de otro nuevo, para abril del 2008, llamado "Phoenix".
El reconocimiento artístico

A pesar de los problemas que Yes estaba experimentando en ese momento, Howe fue elegido como "El Mejor Guitarrista de todos los tiempos" por Global la revista para guitarristas por cinco años (1977 - 1981) y se instaló en la "Galería de los más grandes guitarristas de todos los tiempos" en 1981.
La Gibson Guitar Corporation, la Segunda fabricante de guitarras eléctrica para Howe (qué él todavía está tocando después cuarenta años), declaró que Howe "elevó la guitarra del rock a un "nivel de arte" y ayudó a definir un nuevo estilo de música conocido como "art rock". En un tributo a Howe y su guitarra Gibson ES-175, Gibson produjo una edición limitada en 2002.

Steve Howe se ha llegado a convertir en el sello progresivo en todas las bandas donde ha participado, y su inclusión siempre marcó un antes y un después. Su estilo clásico, versátil y matemáticamente estructurado, le da una cierta aura barroca fácil de reconocer frente a otros guitarristas de la escena del rock. Probablemente hay que ser músico o tener cierta sensibilidad musical para apreciar la contribución de Howe en la música, y pese a que algunos suelen deslumbrarse con la pirotecnia facilista de un Van Halen, o un Santana, o un Satriani, el maestro Steve Howe, con un estilo sobrio y depurado supo ganarse desde muy joven la admiración y el reconocimiento de sus pares, llegando a ser calificado por todos ellos dentro de los 10 mejores guitarristas de la historia del Rock.

 

De la mano de Leonardinsky hoy traemos a Logia Musical este concierto donde se presentó junto a dos de sus hijos.

 

Si bien es cierto que una buena elección musical puede ayudarnos a llevar mejor algunos cambios de humor, que un disco pueda acentuar solo con escucharlo con cascos nuestros sentimientos de relajación, concentración, creatividad y felicidad parece la panacea. Esa ha sido la intención de Jolly con este The Audio Guide to Hapiness (Part I).
En lo musical, este disco convence. Segundo lanzamiento después de Forty-Six Minutes, Twelve Seconds of Music (2009), con este álbum los Jolly nos ofrecen una heterogénea oferta rockera con mucha progresión y una producción muy esmerada. Abundan los arreglos y los sonidos ambientales de fondo no nos abandonan nunca. Mención especial pues para Joe Rilly, el caballero de los teclados. Las guitarras de Anadale (que también canta) me llevan a la cabeza algunos riffs de Filter, aunque más complejos y las baterías de Louis Abramson no paran de salirse en todo el disco. Quizá más pesaetes con los temas más baladosos, rozando la rabia en los más metaleros y, sobre todo, más interesantes cuando se rinden a las bondades de lo progresivo (momentos en que se vuelve a demostrar lo mucho que Steven Wilson y sus Porcupine Tree han hecho para el Rock Progresivo moderno). 

El disco está dividido en dos partes que después se verán completadas con la segunda parte del disco, que a su vez estará también dividida en otras dos partes. 

Aquí la primera.

 http://www.ovellanegrarock.com

Genero: Neo Progressive / Progressive Metal
País: United States
Año: 2011
Audio codec: MP3
Site: plixid.com

Tracklist:

 1. Guidance One (0:54)
2. Ends Where It Starts (5:24)
3. Joy (4:39)
4. Pretty Darlin’ (3:51)
5. The Pattern (6:25)
6. Storytime (3:49)
7. Guidance Two (1:01)
8. Still A Dream (5:56)
9. Radiae (4:14)
10. Where Everything’s Perfect (6:10)
11. Dorothy’s Lament (3:36)

El concepto de What Lies Beneath es descubrir lo que yace debajo de la superficie, lo que yace detrás de las personas, esas cosas que no podemos ver a simple vista, regalandonos un álbum mas metalero, directo y obscuro que su antecesor

Tarja utilizará como referencia en la canción que da lugar al titulo del álbum, a Náyade, una ninfa de la mitología Griega que vive en las aguas de los ríos, los océanos, fuentes y lagos.

Tarja confirmó que la grabación se realizaró en dos estudios diferentes: “Petrax” (ubicado en Finlandia) para las canciones de rock y “El Pie” (ubicado en Buenos Aires, Argentina) para las que cuentan con sonido de Soundtrack.

1. Watcher Of The Skies (7:21)
2. Firth Of Fifth (9:35)
3. Harold The Barrel (2:58)
4. I Know What I Like (In Your Wardrobe) (4:06)
5. Carpet Crawlers (5:15)
6. The Lamb Lies Down On Broadway (4:52)
7. Fly in the Windshield/Broadway Melody of 1974 (3:38)
8. In The Cage (8:12)
9. Dancing With The Moonlit Knight (8:01)
10. Happy The Man (3:10)

11. Looking For Someone (7:03) [*]
12. Can-Utility And The Coastliners (5:44)
13. Back In NYC (5:45)
14. Lilywhite Lilith (2:48)
15. Supper's Ready [Extract]:

a) Lover's Leap (2:04)
16. b) The Guaranteed Eternal Sanctuary Man (1:56)
17. e) Willow Farm (3:10)
18. f) Apocalypse in 98 (Co-Starring the Delicious Talents of Gabble Ratchet) (5:45)
19. g) As Sure As Eggs Is Eggs (Aching Men's Feet) (2:55)
20. Twlight Alehouse (7:47)
21. The Musical Box (10:25)
22. The Knife (8:55) [*] 

 

A los10 años, Mike Oldfield ya componía piezas instrumentales para guitarra acústica. La guitarra era para él más que un instrumento, era una vía de escape de una situación familiar que fue empeorando y apartándolo del mundo exterior durante mucho tiempo. A lo largo de esa década, la escena musical acústica había gozado de muy buena salud, debido al resurgimiento de la cultura folclórica británica que tuvo lugar en las décadas anteriores. Fue en uno de los muchos clubes dedicados a este movimiento donde el joven Mike empezó a darse cuenta de que su virtuosismo musical era del agrado del público.

"Tenía dos instrumentales de 15 minutos cada uno, que tocaba en los clubes de folk locales en los que iba repasando todos los estilos", decía. "Incluso desafinaba las cuerdas totalmente y las doblaba sobre el mástil y hacía todo tipo de cosas. En cuanto me daban vacaciones en la escuela, pasaba la semana entera practicando y tocando la guitarra". Probó también con la música eléctrica, tocando piezas instrumentales de The Shadows en un grupo amateur.

Cuando Mike cumplió 13 años, la familia Oldfield se trasladó a Romford, Essex. En 1967 dejó la escuela y junto con su hermana Sally formó The Sallyangie, un dúo folk-hippie de voz y guitarra. Firmaron por la compañía Transatlantic, que les editó el álbum "Children of the Sun" en 1968 y el single Two Ships en 1969. Por esta época el toque de guitarra de Mike fue fuertemente influido por el "folk barroco" popularizado por John Renbourn, líder de Pentangle y Bert Jansch. Después de un año, llegó el fin de Sallyangie.

La vida artística de este talentoso artista  no cabría en un único post así que hoy les dejamos su último trabajo recopilatorio editado en 2012 y que se denomina Mike Oldfield - Two Sides: The Very Best Of Mike Oldfield (2012), una retrospectiva de su carrera en 2-CD , personalmente compilada y secuenciada por el propio Mike. Un disco contiene sus más queridas canciones y singles hit, mientras que el otro nos lleva a un viaje musical a través del sentir del artista, más esotérico y experimental. Juntos, constituyen las dos caras de este compositor fenomenal, arreglista, productor y multi-instrumentista.

Lily Allen nació en Hammersmith, al oeste de Londres, hija del comediante Keith Allen y de la productora de cine Allison Owen.
En 1988, apareció en el videoclip de la canción "The Yob" que pertenece al álbum "The Comic Strip Presents", co-escrito por su padre. Creció con su madre en distintos lugares con niños de su misma edad. Asistió a 13 escuelas distintas y fue expulsada de la mayoría de ellas por fumar y beber. Allen dijo a Loveline que a los 11 años estaba cantando una canción de Oasis, "Wonderwall" en el patio del colegio cuando una profesora la escuchó y le dijo que tenía talento y le propuso hacer algo con ella. Lily tomó lecciones de canto con la maestra y cantó en una obra escolar. Alegó que la audiencia se alegró ante la visión de una niña con problemas haciendo algo bueno. En ese momento ella supo que la música era algo que necesitaba hacer, ya sea como una vocación para toda la vida o para lo que fuera. Se convirtió en un miembro del Groucho Club cuando tenia 17 años y en su tiempo libre, escuchaba a artistas como The Specials, T. Rex, y Happy Mondays.
Allen hizo una aparición en el film de 1998 Elizabeth, producido por su madre. Dejó la escuela a los 15 años, no quería "pasar un tercio de su vida trabajando para preparar el otro tercio". Después de que su familia se fuera a Ibiza ella permaneció en Sant Antoni de Portmany (San Antonio Abad), lugar donde ganó dinero trabajando en una tienda y en el comercio de éxtasis.
Después del lanzamiento de su primer material, gracias a la enorme publicidad, se decidió que "Smile" sería el primer sencillo oficial para su álbum debut, que se titula Alright, Still. Tal canción fue mandada a la radio en mayo de 2006 y fue inmediatamente programada en radios de todo el Reino Unido. Además, en mayo, le dedicaron una portada de Observer Music Monthly, y ofreció entrevistas a medios como The Guardian y NME. Actualmente ella escribe periódicamente en su blog de MySpace, contando anécdotas de su vida tanto profesional como personal. El single de Smile está a la venta desde el 3 de julio de 2006, con dos canciones, que no se hallan en el álbum, como caras B. Su primer álbum (Alright, Still) apareció el 17 de julio de 2006. Desgraciadamente, debido a que se adelantó el lanzamiento del disco, su canción "Nan, you're a window shopper", una parodia de "Window shopper" de 50 Cent, no fue incluida ya que no se pudo producir a tiempo el material.
En 2006 cantó en 2 canciones para el disco Rudebox de Robbie Willians. Las canciones que cantó se llaman ¨Keep on¨ y ¨Bongo bong and je ne t'aime plus¨
Su canción "Smile" se incluyó en la banda sonora de Los Sims 2: las cuatro estaciones.
En julio de 2008 el segundo trabajo de Lily se encuentra ya producido. Se comenta también que pueda contener un Bonus Track llamado "Wherever You Go" en el que supuestamente participaría Lindsay Lohan.
El nuevo disco de Lily Allen se llama It's Not Me, It's You, aunque anteriormente se había anunciado el posible nombre como Stuck on the naughty step. De este disco se han promocionado los siguientes sencillos: "The fear", "Not Fair", "22", "Fuck you" (que además fue elegido como tema de una campaña anti-homofóbica) y "Who'd have known". Aunque en 2010 se lanzo "Back To The Star" como sencillo promocional, teniendo asi 6 sencillos el segundo album de Lily Allen
También en un episodio de la serie Glee, Lea Michele y Cory Monteith cantan la canción "Smile" de Lily Allen.

It's Not Me, It's You es nombre del segundo trabajo discográfico de la cantante británica Lily Allen. Fue lanzado al mercado el martes 10 de febrero de 2009.

El título se basa en una expresión londinense (al igual que Alright, Still) para mandar a los niños a un sitio apartado para reflexionar si han hecho algo malo.

La propia cantante puso cuatro maquetas de canciones ("I Could Say", "Never Gonna Happen", "[(Fuck You)]" y "[(Who'd Have Known)]") en su Myspace para que el público se dé cuenta y opine acerca del cambio de ritmo que ha tenido el álbum, pasando del pop-rock-ska a un pop un tanto electrónico.

Esta última canción ("Who'd Have Known") pudo no incluirse en el disco debido a que el estribillo está (no intencionadamente) copiado de la canción de Take That "Shine", como reconoce la propia Lily, pero finalmente sí fue incluida, figurando como coescritores los escritores de dicho tema "Shine".


Tracklist:

01. Everyones At It
02. The Fear
03. Not Fair
04. 22
05. I Could Say
06. Back To The Start
07. Never Gonna Happen
08. Fuck You
09. Whod Have Known
10. Chinese
11. Him
12. He Wasnt There
 http://bajatodo.net/

Hoobastank es una banda de rock alternativo de Los Ángeles (Estados Unidos), formada en Agoura Hills (1994) por Doug Robb, Dan Estrin, Markku Lappalainen y Chris Hesse. Robb y Estrin se conocieron en un concurso de grupos de música californiano, En ese concurso ambos representaban a su propio instituto y compitieron entre sí, pero finalmente se unieron para formar Hoobastank; poco después se les unirían Lappalainen y Hesse, que en un principio era llamado "Hoobustank" (el cual era pronunciado de la misma forma que "Hoobastank").
Hoobastank comenzó a tocar sus canciones en su natal California, la banda comenzó en el Cobalt Café con Linkin Park (con los que tienen una amistosa rivalidad) y con otras bandas como: Incubus y 311 y algunas otras, las cuales estaban comenzando.
En 1998 lanzan su primer álbum They Sure Don’t Make Basketball Shorts Like They Used Todo bajo el nombre de Hoobastank, que editan ellos mismos, y comienzan una gira por la costa oeste de Estados Unidos. En dicha gira vendieron bastantes discos en los locales donde actuaban, pero el éxito de la banda se debió principalmente a su difusión vía Internet, sobre todo en países como Inglaterra, Israel, Rusia o Brasil. Con su segundo disco Hoobastank, editado en 2001 por el sello Island Records, la banda obtuvo un disco de platino en Estados Unidos, tras vender más de un millón de copias. En 2003 lanzan The Reason, cuyo primer single Out of Control se pudo descargar gratuitamente desde su página oficial. Pero su verdadero éxito es el single que da nombre al disco, llamado "The Reason" del cual vendieron más de tres millones de copias en EEUU y llegó al número 5 del Hot 100 del Billboard. La gira de promoción del disco se extendió a todo el mundo, llegando a tocar en el live 8 que se hizo en Asia. Tras finalizar la gira, Markku Lappalainen, el bajista, abandona el grupo por motivos personales. Para cubrir la baja de Markku, se une al grupo otro bajista llamado Josh Moreau. En mayo de 2006 lanzan al mercado "Every Man For Himself" contando con tres sencillos, "Born To Lead", "If I Were You" e "Inside Of You", un cuarto sencillo titulado "If Only" planeaba ser lanzado, pero la decisión fue cancelada por razones desconocidas, probablemente por el bajo éxito de las anteriores canciones, comparado con su álbum anterior. El trabajo fue certificado disco de oro en los Estados Unidos. Aparte de sus cuatro discos también han grabado otras canciones que se encuentran en discos de bandas sonoras de películas como "Spiderman 2" "Daredevil" y "El Tesoro del Amazonas".Y también grabaron un soundtrack para el videojuego "Halo 2"; además de algunos otros singles inéditos.
Hoobastank son aficionados a intercalar canciones famosas de otros tiempos en sus conciertos para evaluar la cultura musical de su público. Durante su última gira por Japón/sudeste de Asia/Australia, la banda opta cantar durante uno de sus conciertos un éxito de Ray Parker Jr., "Ghostbusters" ("Los Cazafantasmas"), de la banda sonora de la película del mismo nombre. Debido entonces a la reacción de los fans y a la cercanía de Halloween, el grupo decide grabar el videoclip de este tema.

Aquí les traemos la producción 2012 de la banda llamada Fight or flight

El Cuarteto de Nos es un grupo de rock alternativo formado en 1984 en Montevideo, Uruguay.que da inicio a su historia en 1980, desde la lejana ciudad de Tajo, bastión imaginario de sus convulsionadas cabezas, en Uruguay. Los hermanos Musso y Santiago Tavella dejan atrás viejas diversiones, donde con intrincados juegos de palabras inventaban personajes que siempre presentaban rasgos anormales, deciden dar forma a la banda. Comienzan a crear canciones, su música empieza a dar forma a otras composiciones, y al poco tiempo ofrecen su primer recital en El Tinglado, con una mezcla de jazz-rock totalmente instrumental. A medida que se presentan en lugares chicos, van desarrollando y afianzando la idea musical, acompañados con shows desopilantes y puestas en escena muy originales.
En 1984 graban su primer disco, que sería compartido con Alberto Wolf, "El cuarteto Nos – Alberto Wolf". Se les suma el baterista Alvaro Pintos, definiéndose así la formación del grupo.
A mediados de los ochenta ya se iba convirtiendo en una de las bandas que mas presentaciones realiza en el medio. Su etilo original va dando sus frutos y su nombre cada vez es mas conocido entre los fans del rock uruguayo.
En 1986 graban su primer larga duración como grupo único al que llamaron "Soy una arveja", y se edita al año siguiente. En este tiempo, también oficializan sus disfraces de viejas que usan en cada uno de sus shows.
En 1988 surge el primer ciclo de actuaciones (otra característica de la banda), llamado "Homenaje al Cuarteto de Nos".
Paralelamente a esta actividad, comienzan a grabar su tercer disco al que nombrarían "Emilio García", nombre ficticio de quien sería su manager. Realizan por segunda vez su ciclo anual de actuaciones, presentando su larga duración durante tres meses y recibiendo la adhesión de todo el público.
Durante 1989 se presentan en varias ciudades del interior y Montevideo, y al año siguiente comienzan con un nuevo ciclo en "La Tramoya", y otro en "El Notariado". Empiezan también a grabar su cuarto disco, que editaron al año siguiente con el título "Canciones del Corazón", álbum que reúne temas de profunda poesía y que los revela como exponentes de la literatura amorosa.
En 1991 se presentan por primera vez en Argentina, dentro de la programación de la Segunda Bienal del Arte Joven, y al año siguiente otro ciclo, esta vez en Sala Verdi, primeras presentaciones donde se utilizan videos en pantalla gigante al fondo del escenario; se extiende por dos meses y estrenan nuevas composiciones.
El actor "Bimbo" Depauli, que desde hace un tiempo acompañaba a la banda, va obteniendo mayor participación en cada presentación.
En 1993, el ciclo anual se lleva a cabo en el Palermo Boxing Club, con el nombre "La última pelea", el repertorio esta integrado por canciones inéditas y tiene el ring como escenario. En este capítulo también participa de manera activa "Bimbo" Depauli, esta vez sin videoclips, y llegan a lugares del interior en donde nunca antes habían tocado.
En agosto de ese año comienzan a grabar su quinto álbum "Otra Navidad en las Trincheras", siendo su primera grabación en CD. En junio de 1994 editan el disco y diez días después de salir a la venta, se presenta con una concurrencia multitudinaria en la Linterna Mágica. El disco se agota casi sin promoción y en ocho días es disco de oro, y en quince de Platino.
Luego de la presentación comienza otro nuevo ciclo en el pub Kata kimbeé, música, videos y teatro, siempre a la sala llena. La banda se convierte en un éxito popular por mérito propio, pasando de pequeños teatros a conciertos multitudinarios en las diecinueve capitales del país. Dos años sin tregua, sin pausa, sin descanso.
Cuando ya corría la mitad de 1995 se encuentran ante la responsabilidad de grabar un nuevo disco y aparece "Barranca Abajo", un álbum de menor impacto, en donde el grupo vuelve a su viejo estilo.
Al mismo tiempo y aprovechando la repercusión, el sello que había editado los tres discos anteriores realiza por su cuenta un compilado de grandes éxitos al que denomina "La Misma Porquería", que agota rápidamente su primera y única edición.
A fines de 1996 lanzan al mercado se trabajo número siete: "El Tren Bala". Este disco los envuelve en una polémica nacional, ya que uno de sus temas hace alusión a Artigas, prócer máximo del país uruguayo. Como consecuencia, se atrasa la publicación del disco y además la compañía discográfica pone reparos, por los que el grupo decide crear su propio sello "Manzana Verde" para editar su trabajo. Por la diversidad de estilos musicales que presenta, obtiene una muy buena aceptación por parte del público y la prensa, y se convierte en Disco de Oro en una semana.
El Cuarteto Nos es creador de un universo particular, son intertextuales, es decir, cada canción es una historia donde aparecen personajes de historias anteriores o habitantes de la ciudad ficticia de Tajo.
En 1998 el grupo firma contrato con BMG y edita "Revista Esta", y dos años después graban "Cortamambo", en el estudio "Del Abasto al Pasto" de Buenos Aires.
Cuatro años se debieron esperar para escuchar un nuevo disco de eta banda, en 2004 editaron "El cuarteto de Nos", décimo disco del grupo, que no es ni mas ni menos que un compilado de reversiones de sus éxitos de todos los tiempos, mas tres temas nuevos "Hay que comer", "No quiero ser normal" y "Fui yo". Aquí comienza una nueva etapa para el cuarteto dándole a sus temas un tinte mas roquero.
Durante todo el 2005 se dedicaron a presentar su nuevo disco y aprovecharon para festejar su 21 aniversario con un show definitivamente inolvidable para todos. Las entradas se agotaron desde varios días antes del día del show y contaron con invitados especiales como Gabriel Peluffo y Tabaré Rivero, entre otros.
El 20 de mayo de 2006 sale a la calle "Raro", inmediatamente pasó a ser primero en ventas y uno de los mas escuchados en las radios. Pocas semanas después de haber salido a las bateas, ya era Disco de Oro. Presentaron su corte en Montevideo, ante tres salas con entradas agotadas anticipadamente. "Raro" se convirtió en el disco que los exporto de Uruguay hacia otros países de Latinoamérica, donde comenzaron a hacerse conocidos especialmente por su particular lírica.
Para su siguiente disco se enfrentaron a varios inconvenientes. La placa se filtró en Internet varios meses antes, aunque en una versión que no estaba terminada. Por ese entonces, el grupo estaba negociando el lanzamiento bajo el sello Universal, negociación que finalmente se desvaneció, y para sumarle problemas, el guitarrista Ricky Musso abandonó la banda, aunque la versión oficial dijo que son solo vacaciones.
Finalmente, el disco salio a la venta en septiembre. "Bipolar" es el título y se edita bajo el sello Warner Music. Nuevamente producido por Juan Campodónico, el CD amplia sus horizontes instrumentales con arreglos de cuerdas y vientos a cargo de Luciano Supervielle.
Entre las 12 nuevas canciones se pueden encontrar desde referencias al pop del Río de la plata de los '60, en temas como “Primavera” o “Malherido”, hasta referencias a la cumbia villera, al hip hop o al electro-rock. Hay una nueva versión de "Me amo", y Fernando Santullo de "Peyote Asesino" participa en "Mírenme".
La partida de Ricky Musso genero otro cambio en la banda, ya que en lugar de 3 pasaron a ser 5 integrantes en los shows, incorporando a Santiago Marrero en teclados y Gustavo "Topo" Antuña en guitarra. Es así que la incorporación de ellos generó un nuevo ámbito musical para su siguiente disco, editado en abril de 2012 bajo el título de "Porfiado". Se trata de la tercera placa producida al hilo por Campodónico, y una evolución natural al proceso iniciado con "Raro".
"Porfiado" contiene 12 nuevas canciones, 10 compuestas por Roberto Musso y 2 por Santiago Tavella. Este es el primer disco que graban los 5 integrantes y la evolución musical es elocuente, con un sonido mucho más trabajado y rico en matices e instrumentos.

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Geethali Norah Jones Shankar (30 de marzo de 1979), conocida como Norah Jones, es una cantante, compositora y pianista estadounidense cuya música combina elementos de jazz, soul, pop, y country. También ha protagonizado una película: My Blueberry Nights.
Con su primer disco “Come Away With me” vendió más de 20 millones de copias y consiguió 8 premios Grammy.
En 2007 hizo su primera aparación en el cine en "My Blueberry Nights", película de Wong Kar-Wai.

Su historia de éxitos se inició cuando en uno de sus conciertos la escuchó Shell White, miembro de la discográfica EMI, una noche del año 2000. Le gustó lo que oía y le pidió un demo con sus canciones. Éste se lo llevó a su amigo Bruce Lundvall, director de Blue Note, el reputado sello de jazz. Y acertó, porque esa compañía estaba en la búsqueda de nuevos artistas.
La propuesta de Norah no podía ser más tentadora: una voz joven y sugerente, plena de cálida sensualidad, cantando casi como si desvelara algún íntimo secreto. Lundvall la contrató con haber escuchado apenas tres canciones de ese casete y le encargó al productor Craig Street que trabajara el material de Norah y la rodeara con instrumentistas de lujo. El resultado, mucho más pop que la versión final, no convenció a nadie y Lundvall le encargó a su productor estrella, Arif Mardin, una nueva versión, que se concentrara en la voz. El paquete estaba listo y Come Away With Me, su debut discográfico, salió a la venta en febrero de 2002, sin campañas masivas, ni un hit agresivo sonando en todas las radios. Sin embargo, el boca a boca hizo su trabajo y el disco se empezó a vender cada vez más. Para el otoño ya había sobrepasado el millón de copias vendidas y todos estaban maravillados. También se convirtió en platino en Holanda, Australia, Portugal y Hong Kong; doble platino en Gran Bretaña, Irlanda y Singapur; y quíntuple platino en Nueva Zelanda. El total de ventas alrededor del mundo sobrepasa los 18 millones de copias. Además, fue la gran triunfadora de la 45 edición de los Grammy entregados en 2003, con sus ocho estatuillas ganadas, incluidas mejor álbum, canción, disco del año y mejor artista novel, siendo la gran sorpresa de la noche ya que prácticamente le arrebató 3 estatuillas de la mano a Eminem, incluido el de disco del año, ya que según las apuestas favorecían a Eminem.

Dos años después de la publicación de su álbum de debut, "Come Away with Me", Norah Jones regresa con "Feels Like Home". La cantante-pianista-compositora vuelve a hacer equipo con el productor Arif Mardin, el ingeniero de sonido Jay Newland y su grupo habitual en directo. Nos ofrece un conjunto de canciones compuestas por ella, los miembros de su grupo y por el cantante y compositor Richard Julian. Jones también hace versiones de varias canciones incluyendo "Be Here To Love Me" de Townes Van Zandt y "Melancholia" de Duke Ellington, canción para la que ella escribió las letras y la re-tituló con el nombre de "Don’t Miss You At All".

En 2007, saca su tercer álbum de estudio, Not Too Late, lanza 5 sencillos, el álbum vende alrededor de 7 millones de copias.

El 17 de noviembre de 2009 salió a la venta la cuarta producción titulada The Fall, el cual contiene trece temas, además de seis temas en la versión de lujo. El disco incluye las colaboraciones de Marc Ribot, James Gadson, Joey Waronker o James Poyser, entre otros.

En el 2010, salió a la venta su quinta producción titulada "Featuring", en el cual Norah Jones canta con 18 artistas, entre los que están Foo Fighters, Belle and Sebastian, Dolly Parton, y muchos más.

Hoy en LM traemos de la mano de BajaTodo, su último trabajo titulado Little broken hearts.

En términos generales, la música y el estilo luminoso de este álbum no tienen mucho que ver con la de los anteriores, aunque lo que queda de aquellos sigue siendo sobre todo la calidez de la voz de Norah Jones, que tras diez años desde que nos fuera presentada, sigue tan personal, sugerente e inconfundible como siempre, aunque con esta apertura hacia nuevos estilos es más que posible que consiga ganarse un hueco en los reproductores de aficionados a solistas femeninas más minoritarias y de los consumidores compulsivos de mainstream más radiable que aún no se habían atrevido con su musica.

 Tracklist:

01. Good Morning (03:17)
02. Say Goodbye (03:27)
03. Little Broken Hearts (03:12)
04. Shes 22 (03:10)
05. Take It Back (04:06)
06. After The Fall (03:42)
07. 4 Broken Hearts (02:59)
08. Travelin On (03:06)
09. Out On The Road (03:28)
10. Happy Pills (03:34)
11. Miriam (04:25)
12. All A Dream (06:29) 

El líder de la banda U2 (Bonito) no es afecto a que algo se comparta en Internet. Se ha declarado en contra de cualquier sistema de intercambio de archivos y es tal vez por eso que su trabajo ahora es uno de los más copiados en la red.
U2 es una banda de rock, originaria de Dublín (Irlanda), formada en 1976 por Bono (voz y guitarra), The Edge (guitarra, teclado y voz), Adam Clayton (bajo), y Larry Mullen, Jr. (batería y percusión). El sonido inicial de U2 tenía sus raíces en el post-punk, pero eventualmente empezaron a incorporar a su música géneros más populares. A lo largo de la búsqueda musical de la banda, han mantenido un sonido construido a base de instrumentales melódicos, destacados por la textura musical de The Edge y la voz expresiva de Bono. Sus letras, a menudo ordenadas con imágenes espirituales, se centran en temas personales y de preocupaciones sociopolíticas.

U2 se formó en la Mount Temple Comprehensive School, cuando sus miembros iniciales eran adolescentes y tenían un limitado conocimiento musical. En cuatro años, firmaron su primer contrato discográfico con Island Records y lanzaron su álbum debut, Boy. A mediado de los años 80, se convirtieron en una banda conocida mundialmente. Tuvieron más éxito como artistas en vivo que como artistas comerciales a lo que a venta de álbumes se refiere, hasta su álbum de 1987 que los catapulto a la fama, The Joshua Tree, el cual según la revista Rolling Stone, elevó a la banda «de héroes a superestrellas». La reacción a su "estancamiento" musical a finales de los años 80, hizo que el grupo decidiera reinventarse con su álbum de 1991, Achtung Baby en compañía del Zoo TV Tour, durante esta década U2 se influenciaría en el pop, la electrónica, el dance y el rock alternativo y los integraría a su sonido. Su salto más alejado a sus raíces sería en 1997 con el álbum Pop, un álbum que llevaba desde canciones de pop puro, hasta canciones más pop rock, hasta algunas sumamente alternativas como «Please». El álbum tuvo un nivel de éxito medio, pero su sencillo de presentación «Discothèque», le dio a la banda su primer sencillo top 10 en Estados Unidos desde 1992. U2 volvió a ganar un gran éxito comercial en el año 2000 con el álbum All That You Can't Leave Behind. Luego de este álbum U2 dejó de lado los sonidos experimentales que llevaron a cabo en la década de los 90, volviéndose más convencionales mientras mantenían sus influencias musicales iniciales. U2 ha lanzado doce álbumes de estudio y son uno de los artistas musicales con mayores ventas, vendiendo aproximadamente 150 millones de copias mundialmente. Han ganado 22 Premios Grammy, más que cualquier otra banda, y en 2005, fueron incluidos en el Rock and Roll Hall of Fame. Rolling Stone los posicionó en el puesto número 22 en su lista de los "100 Mayores Artistas de todos los tiempos".

Hoy traemos el registro de su reciente gira mundial editado como U22 - 2012.

Fuente: Wiki y Bajatodo.net

Regreso al centro de la Tierra es un álbum conceptual de 1999 por Rick Wakeman. Este trabajo es una secuela de Viaje al centro de la Tierra, un álbum anterior de Wakeman lanzado en 1974.

Se ha dicho muchas veces que en la vida nunca se debe volver, pero como dice el "más grande de todos los dichos", siempre habrá una excepción a la regla, especialmente cuando a un sueño se refiere. Durante muchos años, mi sueño ha sido la de volver al centro de la tierra. En enero de 1974, cuando el original "Viaje al centro de la Tierra" fue grabado en vivo en el Royal Festival Hall en Londres, la tecnología - o más bien la falta de ella - nos planteo una gran restricción a lo que pretendíamos. Teclados en su infancia, la grabación digital aún sin precedentes, hizo que la frustración se hiciera presente en todo momento. En el análisis final, el resultado acabado fue bastante notable y, aun con todas las herramientas a mi disposición en el día de hoy, siento que sería difícil mejorar lo que se logró en aquel entonces. Sin embargo, las innovaciones tecnológicas - a lo largo de este decenio en particular - han eliminado todas esas frustraciones del pasado. Estas, a su vez, han alimentado continuamente mi propio sueño de la utilización de estos avances (en una forma que era imposible veinticinco años atrás) para fusionar todos los elementos musicales de forma que yo tan to amo - y producir otro viaje épico. Es hora de volver al centro de la tierra. El original "viaje" tuvo treinta y seis minutos. El "Retorno" llevará más del doble de eso. Supongo que esto se debe a que ahora hay mucho más para escuchar y visualizar. Veinticinco años en tecnología musical es mucho, mucho tiempo. Casi tres centenares de personas han participado en ayudarme a convertir mi sueño en una realidad, con los cuales estaré eternamente agradecido. Esto debe ir sin duda a demostrar que siempre es posible volver - y siempre es posible tener éxito en el proceso. Siempre, por supuesto, que usted no vaya solo!


Rick Wakeman, 1999.

Integrantes del personal:

Patrick Stewart (locución)

- Rick Wakeman (piano, keyboards)
- London Symphony Orchestra, English Chamber Choir
- David Snell, Guy Protheroe (conductor)
- Trevor Rabin (vocals, guitar)
- Ozzy Osbourne, Bonnie Tyler, Justin Hayward, Tony Mitchell, Katrina Leskanich (vocals)
- Patrick Stewart (spoken vocals)
- Fraser Thorneycroft-Smith (guitar)
- Phil Williams (bass)
- Simon Hanson (drums)
- Engineers include: James Collins, David Guertz, Stuart Sawney

Tracklist:

Disco Uno:

1. Narration 1: A Vision (2:33)
2. The Return Overture (2:39)
3. Narration 2: Mother Earth:Shadow Of June/The Gallery/The Avenue Of ... (3:48)
4. Buried Alive (6:00)
5. Narration 3: The Enigma (1:18)
6. Is Anybody There? (6:34)
7. Narration 4: The Ravine (:49)
8. The Dance of a Thousand Lights (5:40)
9. Narration 5: The Shepard (2:00)
10. Mr. Slow (3:47)
11. Narration 6: Bridge Of Time (1:11)

Disco Dos:

12. Never Is A Long, Long Time (5:19)
13. Narration 7: Tales From The Lidenbrook Sea: River Of Hope/Hunter ... (2:57)
14. The Kill (5:23)
15. Narration 8: Timeless History (1:10)
16. Still Waters Run Deep (5:20)
17. Narration 9: Time Within Time: The Ebbing Tide/The Electric Storm (2:39)
18. Ride of Your Life (6:01)
19. Narration 10: Floating: Globes Of Fire/Cascades OF Fear (1:59)
20. Floodflames (1:59)
21. Narration 11: The Volcano: Tongues Of Fire/The Blue Mountains (2:10)
22. The End Of the Return (5:23)

 Cortesia de : http://leonardinsky.blogspot.com.ar